近年来主题文艺创作展现出突破传统范式的创新力量，舞台呈现出表面繁荣的景象，话剧、戏曲、舞剧等各类作品层出不穷。然而，一窝蜂扎堆的创作现象也愈发凸显：同题材作品大量涌现，情节架构如出一辙；文学改编沦为潮流竞赛，经典 IP 被反复翻炒；地方院团盲目跟风大制作，剧种特色日渐消磨。这种同质化倾向不仅消解了艺术创作的个性与活力，更难以满足观众日益多元的审美需求，成为制约舞台艺术从高原迈向高峰的关键瓶颈。深入剖析这一现象的成因与危害，探索破局之道，对推动舞台艺术高质量发展具有重要意义。
题材扎堆是同质化最直观的体现，主要集中在几大领域。
其一，重大题材的套路化表现。无论革命先辈事迹还是重大历史事件，都极具文艺创作的意义和价值。然而当相关作品在各地舞台频繁亮相时，其中有不少却陷入“重大事件 + 英雄人物”的固定叙事模式。笔者注意到，近半数作品以“觉醒”“征程”“破晓”等雷同词汇命名，情节多围绕 “遭遇挫折——坚定信念——取得胜利”的套路展开。
其二，现实题材和英模题材的集中爆发。近年在各地舞台上，以乡村第一书记为主角的话剧、戏曲作品层出不穷。此类作品时有直接将产业振兴、生态保护等政策术语直接转化为台词，使得剧中人物如同行走的政策手册。这种机械的政策图解导致戏剧冲突消解，观众评价“像在看新闻联播”，使艺术作品沦为政策文件的可视化注解。当创作者将价值观简化为标语口号，作品未塑造出具有生命温度的人物形象，观众在剧场里完成的只是政治课考勤，而非艺术审美体验，艺术便失去了直抵人心的力量。
其三，文学改编的盲目跟风。从四大名著到现当代经典，文学 IP 成为改编热潮的焦点，仅《红楼梦》相关舞台改编作品，近年就有京剧、话剧、赣剧等十余种版本登台。但部分改编止步于情节移植，既未挖掘文本新内涵，也未实现艺术形式的突破，导致“看一本原著，知十台戏”的尴尬局面。
艺术表达的模式化则加剧了审美疲劳。在舞台呈现上，高科技堆砌成为潮流，AI 生成的历史场景、全息投影的人物形象被广泛应用，但技术往往取代了艺术本体，某红色舞剧花费数百万打造的战争特效，最终因与舞蹈叙事脱节被观众诟病为科技秀。在戏曲领域，“为剧种写戏”的意识日渐淡薄，一个剧本被多个剧种随意移植的现象屡见不鲜。北方某地方小戏移植京剧《霸王别姬》，生硬套用程式化动作，丢失了自身辛辣灵动的表演特色，沦为京剧的粗糙复制品。而在叙事方式上，无论是现代戏还是传统改编剧，都倾向于采用线性叙事的安全牌，缺乏对多视角、碎片化等创新手法的探索，使得不同作品的观演体验高度趋同。
创作逻辑的功利化则从根源上催生了同质化。许多院团将创作视为奖项博弈，而非艺术追求，形成了评奖标准决定创作方向的异化逻辑。这种逻辑下，院团往往忽视自身实力与地域特色：经济欠发达地区的县级剧团硬上投资千万的革命历史大戏，最终因演员功底不足、舞美简陋草草收场；擅长民间故事演绎的地方剧种强行改编厚重历史题材，导致剧种优势无从发挥。
政策扶持与评价体系的导向性偏差是重要诱因。近年来，各级文化艺术基金对主旋律创作、重大题材的扶持力度不断加大，这一政策初衷本是引导艺术服务时代，但在执行中却出现了题材优先的倾向。部分地区将将扶持所倡导的题材的创作与院团评级、经费拨付直接挂钩，形成写主旋律易立项、改经典易获奖的现实导向。在评奖机制上，传统的“宏大叙事 + 正面形象”评价标准尚未根本改变，创新探索型作品往往因不符合主流范式被边缘化。这种政策指挥棒效应下，创作者自然倾向于选择安全稳妥的题材与形式，而非冒险创新。院团直言做原创剧目，不如改个经典容易立项，这是无奈的选择。
市场逻辑对艺术创作的过度侵蚀则加剧了趋同倾向。在文旅融合与文化消费升级的背景下，资本对舞台创作的影响力显著增强，而资本的逐利性天然偏好“可复制的成功”。《只此青绿》《永不消逝的电波》等舞剧爆款出现后，投资方纷纷要求创作者复制“国风美学 + 科技舞美”的公式，导致同类作品扎堆涌现。这种爆款依赖症使得市场陷入“跟风——饱和——审美疲劳”的恶性循环。同时，流媒体平台的算法推荐机制进一步固化了创作惯性，观众的点击数据反馈给创作者，使其更倾向于重复已被验证的内容，形成信息茧房式的创作闭环。
地方文化认同的弱化则导致了特色创作的缺失。在全球化与现代化进程中，部分院团对本土文化缺乏自信，盲目追求大制作、高规格，忽视了地域文化与剧种特色的根基价值。粤剧《拾玉镯》之所以成为经典，正是因为其将“穿针”“喂鸡” 等生活化场景与粤剧质朴生动的表演风格深度融合。剧作家魏明伦的《变脸》《巴山秀才》等川剧现代戏，始终浸润着醇厚的川味文化底蕴。创作中，他径直从巴蜀大地的人文地理肌理中采撷素材，将四川地域文化、川剧本体艺术与剧本创作深度熔铸，最终在兼具深刻思想意蕴与精妙艺术呈现的作品中，自然流淌出浓郁的人文气息与鲜明的时代精神。而当下许多地方戏创作却刻意规避本土元素，强行追求宏大叙事，这种去地域化、去剧种化的创作，使得作品失去了最鲜活的文化基因，沦为无差别的艺术商品。
同质化的艺术危害：从特色消解到生态恶化
对艺术作品而言，同质化直接消解了其独特性与思想性。本雅明曾指出，机械复制会导致艺术“光晕的消失”，而当下的同质化创作正是一种“算法时代的复制”。当革命历史题材作品都用相似的英雄模板，当文学改编都遵循相同的情节逻辑，作品便失去了直抵人心的力量。这种符号拼贴式的创作，让艺术沦为表层化的价值传递工具，既无思想深度，也无情感温度，更谈不上艺术创新。
对院团发展而言，同质化导致地方特色消亡与剧种生存危机的双重困境。地方戏曲院团的核心竞争力本在于剧种特色，如昆曲的婉转缠绵、秦腔的慷慨激昂，但同质化创作让这些特色逐渐消磨。某秦腔剧院为跟风改编名著，弱化了秦腔的“吼唱”特色，加入大量交响伴奏，导致老观众流失，新观众不认可，陷入两头不讨好的境地。更严重的是，盲目跟风大制作往往让院团陷入财务困境：某县级豫剧团举债排演大戏，上演三场后因票房惨淡停演，最终濒临解散。
对观众群体而言，同质化催生审美疲劳，侵蚀艺术欣赏的热情。当观众在不同剧场看到的总是相似的题材、雷同的表达，自然会对舞台艺术失去期待。这种审美疲劳不仅降低了文化消费质量，更阻碍了艺术美育功能的实现。优秀的舞台作品本应培养观众的审美辨别力，而同质化作品却只能造成审美钝化。长此以往，舞台艺术将失去受众基础，陷入创作萎缩与观众流失的恶性循环。
对文化传承而言，同质化导致地方文化基因的断裂。戏曲等地方剧种本身就是地域文化的活载体，其唱腔、表演、剧目都承载着独特的文化记忆。但当下“为剧种写戏”意识的淡薄，使得剧种特色被稀释：地方剧种音乐京昆化、表演话剧化的现象时有发生，地方剧种逐渐失去了辨识度。当某一剧种能演绎任何题材，实则意味着它已失去了不可替代的文化价值。这种特色消亡不仅是剧种的损失，更是地域文化多样性的损失，不利于文化生态的平衡发展。
破解舞台创作同质化困局，要在尊重艺术规律的基础上，重构“鼓励创新、彰显特色、生态健康”的创作体系。这需要政策引导、院团自觉、人才培养、评价改革等多方面形成合力。当创作者以艺术的真诚自觉为出发点，以敬畏之心对待历史、以赤子之心贴近人民、以创新之心探索艺术，自然能破解同质化的困局。院团摒弃跟风攀比心态，树立量力而行、扬长避短的创作理念，地方戏曲院团强化“为剧种写戏”的意识，在创作中充分融入剧种的唱腔、程式、表演特色，让剧种特色成为作品的核心标识。当红色题材能展现人性叙事，现实题材作品能贴近生活本真，文学改编能挖掘深层内涵，地方戏曲剧种作品能彰显独特魅力，舞台艺术才能真正摆脱千剧一面的尴尬，涌现出更多接地气、传得开、留得下的精品力作。
来源: 文汇报
